María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
Felicitación Navideña 2018
Un afectuoso saludo.
Maite
NOVEDADES
¡¡NUEVO!!
Mi trabajo de Memoria de Licenciatura sobre la Iglesia Barroca de San Cayetano en Madrid,
que presenté en 1984, lo he publicado en este enlace:
Publicadas las entradas de Mitología UNED SENIOR
Publicada la entrada sobre la exposición
Publicada la entrada sobre la exposición
Publicada la entrada sobre la exposición
Publicada la entrada de mi memoria de licenciatura sobre
Publicada la entrada
Toda la información la podéis ver en: http://maitearte.wordpress.com/
martes, 25 de diciembre de 2018
Felicitación Navidad 2018
Un afectuoso saludo.
Maite
viernes, 21 de diciembre de 2018
Escultura del Renacimiento Italiano. Documento fotográfico
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
Escultura del Renacimiento Italiano
Documento fotográfico
Este documento fotográfico, sobre la escultura del Renacimiento Italiano, ha sido elaborado para los alumnos de la UNED, como complemento a las clases que imparto en el Grado de Historia del Arte y especialmente dedicado a todas esas personas con las que compartimos estos viajes.
Dirección y selección: María Teresa García Pardo.
Página web – blog: https://maitearte.wordpress.com/
Fotografía: Eduardo Benito. Realizadas en los viajes a Italia entre los años 2012 y 2018.
Agradecimientos: Fotos obtenidas de Wikipedia:
Escultura original de la duda de Santo Tomás en Orsanmichele, Florencia.
FRENTE – De Ganimede1984 – Trabajo propio, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21731585
POSTERIOR – De Sailko – Trabajo propio, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=21623391
Sacrificio de Isaac
De I, Sailko, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=20395086
Florencia 2018 – Copia de David desde la Loggia della Signoria
Contenido
Familia della Robbia
- Museo del Bargello – cerámica vidriada – Florencia
- Cerámica vidriada – Hospital de los inocentes
- Luca della Robbia – Cantoría
Donatello
- David
- Detalle de la cabeza de Goliat
- Cantoría
- La Anunciación
- San Jorge
- Magdalena penitente
- Judith y Holofernes
- Condottiero Gattamelata
- San Marcos
- Sacrificio de Isaac
Verrocchio
- David
- La duda de Tomás, copia exterior
- La duda de Tomás– Original en interior
- Condottiero Colleoni
- Dama con ramo de flores
Miguel Ángel
- Baco
- David
- La Piedad
- Virgen con el niño
- Tumba de Lorenzo de Medici
- Detalle de Lorenzo de Medici
- Tumba de Giuliano de Medici
- Detalle de Giuliano de Medici
- Tumba de Giuliano de Medici. El Día y La Noche
- Moisés
- La Piedad de Florencia
- La Piedad Rondanini
Benvenuto Cellini
- Perseo
- Cristo Crucificado
Baccio Bandinelli
- Hércules y Caco
Giambologna
- Hércules con el Centauro
- El rapto de las Sabinas
- Océano
- Mercurio Volante
Descarga el pdf aquí
Escultura del Renacimiento ... by on Scribd
El Baptisterio de Florencia
María Teresa García Pardo
Doctora en Historia del Arte
EL BAPTISTERIO DE FLORENCIA
Este documento está dirigido a los alumnos de Grado y a todas esas personas enamoradas del Arte y su Historia que me siguen en mis blog y nos acompañan en mis viajes culturales.
Podéis leerlo en esta entrada en el documento de Scribd insertado, pero también os dejo el enlace para descargarlo y leerlo directamente de google drive, sin necesidad de registrarse.
En él describo los paneles de las puertas realizadas por Ghiberti y los mosaicos del interior del Baptisterio.
En él describo los paneles de las puertas realizadas por Ghiberti y los mosaicos del interior del Baptisterio.
El Baptisterio de Florencia by on Scribd
martes, 4 de diciembre de 2018
DEIDADES MITOLÓGICAS MENORES
DEIDADES MITOLÓGICAS MENORES
Las deidades menores más relevantes en la Mitología Clásica son:
· Las 9 Musas
· Las Tres Cárites - Las Tres Gracias
· Las Tres Horas – Las Cuatro Estaciones
· Las 3 Moiras – Las 3 Parcas
LAS MUSAS
Homero describe la jornada de los dioses como una continua fiesta. Son deleitados por la lira de Apolo y el dulce canto de las Musas, mientras Ganímedes escancia el néctar en sus copas, etc.
HARMONÍA
Según unas tradiciones Harmonía es hija de Ares y Afrodita y según otras es hijo de Zeus y Electra, una de las hijas de Atlante.
Harmonía simboliza el equilibrio, la concordia y la armonía.
Se la vincula con el séquito de las Cárites (Gracias) y de Afrodita.
En las tendencias tardías hay tendencia a identificarla o confundirla con la esposa de Cadmo.
LAS MUSAS
Las Musas son las hijas de Zeus, aunque en otras tradiciones se presentan como hijas de Harmonía o de Urano (El Cielo) y Gea (La Tierra).
Estas genealogías son simbólicas y se relacionan con la primacía de la Música en el Universo.
Las Musas son las cantantes divinas, cuyos coros e himnos deleitan a Zeus y los demás dioses.
Son deidades del canto, la inspiración poética y la inteligencia.
Presidían el pensamiento en todas sus facetas: elocuencia, sabiduría, persuasión, Historia, Matemáticas, Astronomía.
Ellas acompañaban a los reyes y les dictaban palabras convincentes para establecer la paz entre los hombres. Además les confieren el don de la dulzura, que les granjea el amor de sus súbditos.
Hesíodo decía que cuando un cantor, inspirado por Las Musas celebra las proezas de los hombres, quien tenga preocupaciones las olvidará al momento.
El canto más antiguo de las Musas es aquel que entonaron tras la victoria de los Dioses Olímpicos sobre los Titanes, para celebrar un nuevo orden bajo el mandato de Zeus.
Las Musas no poseen un ciclo legendario propio, pero intervienen como cantoras en las bodas de Tetis y Peleo y en las de Harmonía y Cadmo.
Todas tienen aventuras amorosas. Calíope es madre de Orfeo.
Existían dos grupos de Musas: las de Tracia y las de Beocia.
Las de Tracia, tierra dura e inhóspita, eran vecinas del Olimpo y guardan relación con el mito de Orfeo y el culto a Dionisos que había logrado gran importancia en Tracia.
Las musas de Beocia, ubicadas en las laderas del Helicón (Monte próximo al Parnaso) dependen directamente de Apolo, quien dirige sus cantos en torno a la fuente de Hipocrene.
Hipocrene (La fuente del caballo)
Es una fuente de agua que nació en la falda del monte Helicón en Beocia, cuando Pegaso, el caballo alado, golpeó con sus cascos a la montaña y del suelo brotó un manantial o fuente.
Esta fuente favorecía la inspiración poética y las Musas se reunían en torno a ella para cantar y bailar.
LAS NUEVE MUSAS
Desde la época clásica se impone la cifra de 9 Musas que aparecen solas o en compañía de Apolo:
1 – Calíope – La poesía épica.
2 – Clío – La Historia.
3 – Polimnia – La pantomima.
4 – Euterpe – La flauta.
5 – Terpsícore – la poesía ligera y la danza.
6 – Erato – La lírica.
7 – Melpómene – La tragedia.
8 – Talía – La comedia.
9 – Urania – La astronomía.
Las Musas, a partir del Renacimiento, se convierten en encargos de reyes y aristócratas como tema decorativo.
LA GUERRA DE LOS TREINTA AÑOS
El rey Gustavo II de Suecia participó en la Guerra de los Treinta años en defensa de sus creencias protestantes, pero murió en combate dejando el trono a su hija de casi 6 años.
LA REINA CRISTINA DE SUECIA (1626-1689)
Cristina de Suecia nació el 18 de diciembre de 1626 y fue una decepción para su madre, María Leonor de Brandeburgo, quien deseaba darle a su esposo, el rey Gustavo II, un heredero al trono.
El monarca encontró la solución al problema. Un año después confirmaba a su hija como heredera al trono sueco en caso de que no llegara el deseado heredero.
En 1632, cuando Cristina aún no había cumplido los seis años, su padre moría en la batalla de Lützen, durante la Guerra de los Treinta Años.
Desde aquel momento y hasta su mayoría de edad, fue el canciller Axel Oxenstierna quien se hizo cargo del gobierno del país ejerciendo una eficiente regencia.
Oxenstierna también dirigió y supervisó la educación de la futura reina, apartándola de su madre, quien fue educada por distintas damas de su familia y de la familia del canciller.
Pronto empezó a acudir a las reuniones del Consejo del Reino. Tenía entonces 16 años pero ya demostró grandes capacidades intelectuales y un carácter fuerte.
El breve reinado de 4 años
En 1650, la joven Cristina era coronada como reina de Suecia.
A partir de entonces y durante un breve período de cuatro años Cristina gobernó con eficacia su país.
Sin embargo, las presiones acerca de un necesario matrimonio y sus contactos con la religión católica hicieron que en 1654 anunciara oficialmente su deseo de abdicar del trono.
Su posterior conversión al catolicismo pudo ser una de las causas.
Su primo, Carlos Gustavo, fue nombrado rey de Suecia.
La reina Cristina de Suecia fue una de los monarcas más destacados de la historia de su país.
Cristina vivió el resto de su vida fomentando el arte y la cultura.
MECENAS DEL ARTE Y LAS LETRAS
Tras su abdicación, Cristina continuó con su labor de protectora de las artes y las letras.
Fijó su residencia en Roma, sede de su nueva religión, y mantuvo una vida dedicada a coleccionar obras de arte y financiar proyectos culturales y científicos.
Cristina no se olvidó de su país y defendió la libertad religiosa de los pueblos, criticando las persecuciones por razones de fe.
La llamada Atenea del Norte murió en Roma el 19 de abril de 1689.
A pesar de haber pedido ser enterrada con sencillez en el Panteón de Agripa, el papa Inocencio XI, decidió honrarla con un funeral de Estado.
En 1701 Clemente XI, ordenó a Carlo Fontana, discípulo de Bernini, que erigiera un precioso monumento funerario en la Basílica de San Pedro para la reina, que hoy podemos contemplar.
Carlo Fontana. Monumento funerario de la Reina Cristina de Suecia.
Basílica de San Pedro. Roma
ESCULTURAS DE LAS MUSAS EN EL MUSEO DEL PRADO
El Museo del Prado posee un conjunto escultórico formado por ocho Musas que pertenecían a la reina Cristina de Suecia.
Melpómene – La tragedia. Falta en el Museo del Prado
La reina las tenía ubicadas en una sala de su palacio y fue durante casi cien años, hasta 1774, el único grupo de este tipo que se conocía.
Cuando la reina se sentaba en el trono, situado frente a una estatua de Apolo instalada en la misma sala que las musas, asumía el puesto de la novena musa, representando así, en un lenguaje típicamente barroco, sus ambiciones científicas y artísticas.
Completadas por Ercole Ferrata, las ocho musas eran utilizadas por Cristina de Suecia para escenificar su propia presencia en la Roma de finales del siglo XVII.
Las primeras referencias sobre la procedencia de este grupo de musas se debe a Pirro Ligorio, estudioso romano de la Antigüedad.
Relata que bajo el Papa Borgia Alejandro VI (1492-1503) se habían encontrado nueve musas sedentes en la Villa Adriana, en el teatro griego de la Academia, y que habían sido trasladadas a la viña del Papa Clemente VII en el Monte Mario.
Dado que Ligorio habla de nueve musas y Heemskerck reprodujo musas de ambas series, procedentes de los dos talleres antiguos que componen el conjunto del Prado, es muy probable que ocho de las nueve mencionadas por Ligorio llegaran en la segunda mitad del siglo XVII a la colección de Cristina de Suecia.
Las nueve musas que Hesíodo presenta como hijas de Zeus eran invocadas por los poetas para que les trasmitiesen inspiración y noticias veraces.
Las musas del Prado, representadas altas, esbeltas y sentadas en altos promontorios de roca están todas vestidas con mangas, es decir, una delgada prenda interior de la que se ven sólo las mangas abotonadas, que llegan hasta los codos.
Sobre él visten otro chitón o túnica sin mangas, de una tela algo más gruesa; sobre ambos hombros esa prenda lleva broches parcialmente completados.
Ambos vestidos están ceñidos bajo el pecho, bien con un delgado cordón, bien con una cinta plana.
Ambos vestidos están ceñidos bajo el pecho, bien con un delgado cordón, bien con una cinta plana.
Sobre ambas prendas interiores visten un manto amplio que cubre el regazo y las piernas y arranca en el hombro izquierdo o en el asiento de roca.
En sus pies se identifica un calzado cerrado con triple o doble suela.
Sus atributos no fueron completados mayoritariamente hasta el siglo XVII.
Miran frontalmente al espectador. Mientras que el manto amplio y rico en pliegues marca el asiento generalmente ancho de las musas y otorga volumen y peso a la mitad inferior del cuerpo, el busto, de aspecto sensual gracias a la vestimenta ceñida, se caracteriza por una constitución delgada y un movimiento aún bien definido.
En la vista posterior casi todas levantan un poco el hombro y giran ligeramente el torso, saliendo del plano.
Así se sitúan entre las representaciones de las musas con más movimiento del segundo cuarto del siglo II d. C.
Las musas del Museo del Prado fueron creadas en talleres distintos.
Aunque el trabajo de ambas es diferente, la fecha de su creación no difiere mucho. Todas son del siglo II d.C., época de Adriano.
Las musas pasaron a través de la Colección de Livio Odescalchi en Roma a la Colección de Felipe V en San Ildefonso
Las esculturas llegaron al Museo del Prado con graves desperfectos y un restaurador del siglo XIX, posiblemente Salvatierra, decidió repetir algunos miembros en época barroca para sustituir los deteriorados.
ESCULTURA ROMANA. SIGLO II D.C- CLÍO, MUSA DE LA HISTORIA,
MUSEO DEL PRADO, MADRID
BIBLIOGRAFÍA
- Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
- www.museodelprado.es
- Schröder, S. F.: Catálogo de la escultura clásica, Museo Nacional del Prado, 2004, pp. 204-214.
- Allendesalazar, Úrsula. La reina Cristina de Suecia.
LAS TRES CÁRITES - LAS TRES GRACIAS
Las Cárites, en latín son las Gracias (Gratiae), divinidades de la belleza.
Esparcen la alegría en la Naturaleza, en el corazón de los humanos e incluso en el de los dioses.
Son hijas de Zeus y Eurínome, hija de Océano, aunque otras versiones le atribuyen su maternidad a Hera.
Se representan como tres hermanas que viven en el Olimpo, llamadas Eufrósine, Talía y Áglae.
Esparcen la alegría en la Naturaleza, en el corazón de los dioses y de los hombres y representan lo que la vida puede tener de agradable y amable.
Pertenecen al séquito de Apolo, el dios músico. Son compañeras de las Musas y a veces forman coro con ellas.
Hasta el siglo VI a.C. se las representa ataviadas con túnicas y ordenadas en procesión.
La iconografía más difundida las representa como tres jóvenes desnudas, cogidas por los hombros, situándose la central de espaldas y con la cabeza de perfil, motivo que aparece ya en los frescos pompeyanos.
FRESCO ROMANO DE POMPEYA
Se atribuye a Las Gracias toda clase de influencias sobre los trabajos del espíritu y las obras de arte.
Hay una interpretación alegórica de las Gracias. Lo que una hermana da, otra lo recibe, volviendo el beneficio a la tercera.
Aparecen vestidas con gasas y bailando cerca de Venus en La Primavera de Botticelli.
BOTTICELLI - LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA
1482. Temple sobre tabla. 203 x 314 cm. Galería Uffizi desde 1919
La Primavera es una de las pinturas más famosas de los Uffizi, como sublime representación del amor sensual.
La obra fue encargada por Lorenzo de Pierfrancesco de Médicis, primo de Lorenzo el Magnífico, el mismo comitente para quien Botticelli ilustra la Divina Comedia.
La pintura adornaba el salón de la villa de los Médicis en Castello, Junto a Florencia.
En 1815 la obra entró en los Uffizi, después pasó a la Academia y volvió definitivamente al museo en 1919.
La alegoría se inspira en los textos de Ovidio y en algunos versos de las estrofas de La Justa de Juliano de Médicis, escrita por Agnolo Poliziano, amigo de la Familia y de Botticelli.
Poliziano describe a las Tres Gracias y al viento Céfiro persiguiendo a la ninfa Cloris con quien se desposará. Tras la boda le otorga la facultad de hacer brotar flores de su boca.
Junto a la ninfa hay una mujer vestida con flores, metamorfosis de Cloris en Flora.
Venus aparece en un jardín, como alegoría de su reino cantada por los poetas antiguos.
El fondo es una tupida decoración vegetal. Los naranjos del jardín de Venus están cargados de frutas y flores. Las hojas se perfilan sobre un cielo claro con una delicada filigrana.
En 1982 algunos botánicos identificaron casi 200 especies diferentes de flores pintadas del natural. Muchas de ellas todavía florecen en las colinas cercanas a Florencia y en los prados próximos a la villa de los Médicis en Castello.
Sobre Venus aparece su hijo Cupido, dios del Amor, a punto de disparar la fecha con los ojos vendados, porque el amor es ciego.
A la izquierda, tres hermosas jóvenes danzan. Son las 3 gracias que en un sentido platónico son una alusión a la relación entre lo humano y lo divino. A su izquierda aparece Mercurio.
A la derecha Céfiro, viento del oeste, persigue a Flora.
Flora es la potencia vegetal que preside todo lo que florece y anuncia la llegada de la primavera con su vestido lleno de flores.
Con el nombre de Flora Ovidio relata un mito helénico, suponiendo que Flora era la ninfa griega Cloris.
BOTTICELLI. 1482. LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA
Céfiro, dios del viento cálido, se enamoró de Cloris cuando paseaba por el campo en primavera. La raptó y después se casó con ella.
Le concedió a su amada el don de reinar sobre las flores de los jardines y de los campos de cultivo.
Cloris le regaló a los seres humanos las semillas de las flores y la miel.
RUBENS. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO
1630 - 1635. Óleo sobre tabla de madera de roble, 220,5 x 182 cm.
RUBENS. 1630 - 1635. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO
Las hijas de Júpiter, Aglae, Eufrosina y Talía, simbolizan diferentes conceptos desde la antigüedad.
Se las relacionó con la diosa Afrodita, convirtiéndose así en símbolo de la belleza, el amor, la fertilidad y la sexualidad.
Se las relaciona con la generosidad y la amistad, al ser capaces de recibir y otorgar dones.
Rubens las sitúa en un paisaje al aire libre con ciervos que parecen esbozados, frente al detalle de las figuras de primer plano.
A la derecha vemos una cornucopia de la que sale agua hacia una fuente y en la parte superior una guirnalda de flores, que da un toque de color.
Las figuras ocupan prácticamente toda la superficie en primer plano.
Esta obra de 1630-1635 muestra las calidades y cualidades técnicas del Rubens final.
La piel de las diosas se hunde al contacto de unas con otras, demostrando un gran conocimiento del cuerpo femenino.
La luz incide en los cuerpos femeninos y en el detalle de sus joyas. La pincelada es suelta, trabajando a través del color.
Rubens pintó este tema al menos doce ocasiones, enmarcados en diferentes contextos.
Esta pintura es un alarde de belleza, vitalidad y sensualidad, característica de las obras de su última etapa, tras haberse casado con la joven Helena Fourment en 1630.
La tabla no fue un encargo, sino un deseo del pintor tras su segundo matrimonio, lo que nos habla de su alegría personal.
Rubens era viudo de su primera esposa, Isabella Brant, con la que tuvo tres hijos y murió en 1626 a causa de la peste.
Helena se casó con Rubens el 6 de diciembre de 1630. Ella tenía 16 años y él 53. Helena era la más joven de los 11 hermanos.
Los rasgos de la Gracia de la izquierda se han identificado con su esposa Helena, enfatizando su vinculación personal con la obra.
La obra entró en la colección real a través de la venta de los bienes del artista tras su muerte en junio de 1640.
Su familia puso a la venta sus bienes y sus pinturas, acudiendo compradores de toda Europa.
Felipe IV acrecentó la colección española de pinturas de Rubens y adquirió obras de otros artistas flamencos, como Van Dyck, que el artista atesoraba en su colección.
El infante cardenal Don Fernando, hermano del rey y gobernador de Flandes en ese momento, mantuvo una correspondencia con su hermano en la que nos habla de la intención del monarca de adquirir obras en esta almoneda.
El ayuda de cámara Francisco de Rojas estuvo al cargo de la compra.
En 1666 aparece en el Alcázar de Madrid con el número 92 del inventario de la venta, "las tres gracias desnudas".
Una vez en Madrid se colocó en la Galería baja que cae sobre el jardín de los Emperadores, una de las estancias de las conocidas como "Bóvedas del Ticiano" o “cuartos bajo de verano", situados bajo el cuarto nuevo de la reina, donde el rey se retiraba en los meses de calor y considerado un lugar apartado e íntimo.
BIBLIOGRAFÍA
- Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
- www.museodelprado.es
- Uffizi. Florencia. Everest, 2004
LAS TRES HORAS – LAS CUATRO ESTACIONES
Son hijas de Zeus y Temis, la Justicia, y hermanas de las Moiras, las Parcas romanas.
Son tres Horas: Disciplina, Justicia y Paz. Sin embargo los atenienses evocaban las ideas de brotar, crecer y fructificar.
Las Horas tienen un aspecto doble: como divinidades de la Naturaleza, presiden el ciclo de la vegetación.
Pero como divinidades del orden, hijas de Temis, La Justicia, aseguran el equilibrio social.
Velan las puertas de la mansión divina del Olimpo y se les atribuye haber criado a Hera.
Formaban parte del séquito de Afrodita y Dioniso.
Pan, dios de los bosques y de los rebaños, se complace en su compañía.
Las tres Horas griegas pasan a ser las cuatro Estaciones romanas, y tienen una función benefactora.
Se las representa como mujeres jóvenes con atributos vegetales de temporada:
- Primavera – Flores
- Verano – Espigas de trigo y hoz
- Otoño – Uvas
- Invierno – Piezas de caza.
En Roma su temática sirvió para decorar mosaicos pavimentales y su simbolismo, como paso del tiempo, se utilizó en sarcófagos.
El Renacimiento asoció a cada Hora con una divinidad:
- Venus – Primavera, donde pisaba crecían flores.
- Ceres – Verano, las espigas de trigo y la hoz.
- Baco – Otoño, las uvas.
- Vulcano – Invierno, el fuego.
BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. UFFIZI, FLORENCIA
Temple sobre tela de lino.172,5 x 278,5 cm. Uffizi, Florencia.
BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA
En el Renacimiento Botticelli recuperó la temática mitológica, como un pretexto para la plasmación del desnudo femenino.
El pintor presenta a una diosa púdica que arriba a las costas de Chipre impulsada por el soplo del dios del viento calmado y favorable Céfiro y de su esposa Cloris.
Céfiro es el Viento suave y agradable del oeste.
Cloris (Flora en Roma) reinaba sobre las flores y los jardines.
En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.
Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.
BIBLIOGRAFÍA
- Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
- Uffizi. Florencia. Everest, 2004
- maitearte.wordpress.com
LAS TRES MOIRAS – LAS TRES PARCAS
Las 3 Moiras, hijas de Zeus y Temis (la Justicia) son la personificación del Destino que le corresponde a cada persona en este mundo.
Todo ser humano tiene su Moira, parte de felicidad y parte de desgracia o tristeza en la vida. La Moira siempre es inflexible.
Encarna una ley que ni los mismos dioses pueden transgredir sin poner en peligro el orden del universo.
La Moira es la que impide a un dios socorrer a un héroe cuando le ha llegado “su hora”.
Se las representa como hilanderas que tejen el destino y limitan a su antojo la vida de los hombres.
Regulan la vida desde el nacimiento hasta la muerte, con la ayuda de un hilo:
1. La primera hilaba,
2. La segunda enrollaba y
3. La tercera cortaba el hilo de la vida.
En Roma las Parcas son las divinidades del Destino, identificadas con las Moiras griegas.
Las Parcas son tres hermanas:
1. Una preside el nacimiento
2. Otra, el matrimonio y
3. La tercera, la muerte.
En el Foro las tres Parcas estaban representadas por tres estatuas a las que se llamaban las tres Hadas.
GOYA, PINTURAS NEGRAS. LAS PARCAS (ÁTROPOS)
1820 - 1823. 123 x 266 cm. Museo del Prado.
GOYA. 1820-1823. PINTURAS NEGRAS. LAS TRES PARCAS. MUSEO DEL PRADO
Técnica mixta sobre revestimiento mural trasladado a lienzo.
El conjunto de 14 escenas al que pertenece esta obra se conoce como las Pinturas Negras, por el uso de pigmentos oscuros y negros y por lo sombrío de los temas.
Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819.
Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900.
La casa fue derribada hacia 1909.
Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo.
Esta escena se tituló "Atropos", nombre de la Parca de la mitología griega que corta el hilo de la vida, en el inventario de las obras en propiedad del hijo de Goya, redactado en fecha indeterminada, a mediados del siglo XIX, por el pintor Antonio Brugada (1804-1863), que regresó a Madrid en 1832 del exilio en Burdeos.
Se describió por primera vez, junto con el resto de las escenas, en la monografía de Charles Yriarte sobre el artista, de 1867, refiriéndose a ella como "Las Parcas".
Formaba pareja con el "Duelo a garrotazos" en una de las paredes principales de la sala de la planta alta de la Quinta del Sordo.
En el primer catálogo del Prado de 1900 se le dio el mismo título.
BIBLIOGRAFÍA
- Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
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domingo, 22 de abril de 2018
DIONISO (BACO). DIOS DEL VINO
Dioniso es hijo de Zeus y Sémele, hija de Cadmo y Harmonía, pertenece por lo tanto a la segunda generación de dioses Olímpicos.
Sémele pidió a Zeus que se mostrase en todo su poder, pero no fue capaz de resistir la visión de los relámpagos y cayó fulminada.
Zeus le extrajo al hijo que llevaba en su seno y que estaba en el sexto mes de gestación y le cosió a su muslo hasta que llegó la hora de su nacimiento. Dioniso es el dios nacido dos veces.
El niño fue confiado a su hermano Hermes, quien encargó de su crianza al rey Atamante y su esposa. Les encargó que le vistiesen con ropas femeninas para burlar los celos de Hera, que buscaba la perdición del niño, fruto de los amores adúlteros de su esposo.
Para protegerle Zeus mandó llevar al niño fuera de Grecia, al país llamado Nisa, que unos sitúan en Asia y otros en África y se lo entregó a las ninfas para que le cuidasen.
Con objeto de evitar que Hera le reconociese le transformó en cabrito. Este hecho explica el epíteto de cabrito que lleva Dioniso.
Las ninfas que criaron a Dioniso posteriormente se convirtieron en las estrellas de la constelación de la Híades.
De adulto Dioniso descubrió la vid y su utilidad. Pero Hera le enloqueció y anduvo errante por Egipto y Siria.
En las costas de Asia llegó a Frigia, donde le recibió la diosa Cibeles, que le purificó y le inició en los ritos de su culto.
Dioniso llegó a la India, sometiéndola con las armas y su poder místico. En esta época tiene origen el cortejo triunfal del que se hace acompañar.
En el cortejo triunfal Dioniso va en un carro tirado por panteras y adornado con hiedra. Le acompañan los sátiros, silenos y bacantes y Príapo en ocasiones.
De vuelta a Grecia fue a Tebas, donde reinaba Penteo, sucesor de Cadmo, e introdujo las Bacanales. Pero el rey se opuso a estos ritos peligrosos.
Las Bacanales eran las fiestas de Dioniso, en las que todo el pueblo y, en especial las mujeres, eran presa de delirios místicos y recorrían el campo profiriendo gritos rituales.
Después fue a Argos, donde sus fiestas enloquecieron a las hijas del rey Preto y a las mujeres del país.
Después el dios fue a la isla de Naxos, para lo que contrató los servicios de unos piratas. Pero los piratas pusieron rumbo a Asia, con la idea de venderle como esclavo.
Cuando Dioniso se dio cuenta transformó los remos en serpientes, llenó el barco de hiedra e hizo que sonaran flautas invisibles.
Los piratas enloquecidos se precipitaron al mar, convirtiéndose en delfines, lo que explica que los delfines sean amigos de los hombres y los ayuden en los naufragios, ya que son piratas.
A partir de este hecho el poder de Dioniso fue reconocido por todo el mundo, terminó su misión y se implantó su culto.
Pero antes descendió al Inframundo en busca de su madre Sémele, para devolverla a la vida.
Dioniso pidió a Hades que liberase a su madre y el dios del Inframundo accedió a cambio de que Dioniso le diese a cambio algo que estimara mucho.
Entre sus plantas predilectas Dioniso cedió el mirto y éste es el origen de la costumbre que tenían los iniciados en los misterios dionisiacos de coronarse la frente con mirto.
Dioniso es el dios de la viña, del vino y del delirio místico.
Se le festejaba con procesiones tumultuosas en las que se evocaban con máscaras los genios de la Tierra y la fecundidad.
Estos cortejos dieron origen a las representaciones teatrales de la comedia y la tragedia.
En la época romana, los Misterios de Dioniso, por su carácter orgiástico se hicieron muy populares.
El Senado Romano prohibió la celebración de las Bacanales en el 186 a.C., pero se siguieron las tradiciones dionisiacas.
El atributo de Dioniso es el tirso, bastón de vides enrolladas y rematado con una piña.
Su iconografía evolucionó desde un hombre con afilada barba y larga túnica en la cerámica del siglo VI a.C., hasta la de un joven desnudo e imberbe, enturbiado por la bebida en contraposición al prudente Apolo.
Los cultos orgiásticos establecen una estrecha relación entre el dios y sus seguidores. Así Nietzsche plasmó la oposición entre lo apolíneo (distante) y lo dionisiaco (cercano). Dioniso/Apolo.
Las ménades “mujeres posesas” son las bacantes divinas que siguen a Dioniso. Se las representa desnudas o con velos ligeros. Llevan coronas de hiedra y a veces tocan la doble flauta, entregándose a danzas apasionadas.
Las ménades personifican los espíritus orgiásticos de la naturaleza.
MIGUEL ÁNGEL. BACO. 1496-1497. M. BARGELLO, FLORENCIA
Mármol. 1496-1497. Museo del Bargello, Florencia.
Las colecciones del cardenal Giuliano della Rovere, futuro papa Julio II, y de Jacobo Galli, otro de los primeros clientes del artista, le brindaban la posibilidad de estudiar y examinar la escultura clásica.
Este extraordinario escultor estudió la Antigüedad y se inspiró en ella, pero no la copió.
Miguel Ángel estuvo en Roma entre 1496 y 1501 y en este periodo esculpió 2 obras maestras:
· El Baco, escultura de mármol de 203 cm, que realizó entre 1496-97, y se encuentra en el Museo del Bargello, Florencia.
· La Piedad, escultura de mármol de 176 cm, que realizó entre 1498-99, y se encuentra en la Basílica Vaticana.
Miguel Ángel (1475- 1564) realizó el Baco entre 1496 y 1497, a los 22 años, obteniendo el máximo reconocimiento como escultor.
La figura del joven sátiro, comiéndose las uvas del dios y sonriendo con malicia, sirve para sostener esta escultura sinuosa, al igual que hacia Praxíteles en el siglo IV a.C. en Grecia. Este recurso, que se utiliza desde la Antigüedad, ayuda a crear múltiples puntos de vista.
Miguel Ángel esculpió una base rocosa que imprime gran naturalidad al suelo, donde Baco se representó coronado por vides y el pequeño sátiro sonriente degustando un racimo de uvas.
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MIGUEL ÁNGEL. BACO. (1496-1497). MUSEO DEL BARGELLO, FLORENCIA
Los sátiros suelen representarse con torso de hombre y los miembros inferiores de macho cabrío, una larga cola semejante a la de los caballos y un miembro viril perpetuamente erecto. Con el paso del tiempo los miembros inferiores se convierten en humanos y sólo queda la cola, que también se pierde con el tiempo.
Baco representa la belleza y la delicadeza en un suave contraposto.
Miguel Ángel utilizó aquí por primera vez el trépano, técnica muy utilizada en Roma que permite crear efectos de volumen y claroscuro.
El dios del vino aparece con una copa de ese licor en un formato de cerámica clásica, recordando los hallazgos arqueológicos del momento.
El Baco de Miguel Ángel es el paradigma del hedonismo clásico.
El hedonismo es la doctrina filosófica que busca el placer y la supresión del dolor como objetivo de la vida.
Miguel Ángel estudió la Antigüedad y encontró inspiración en ella. Su Baco podría ser una escultura helenística, a la altura de una de las obras más famosas de la Antigüedad, el Apolo Belvedere.
Apolo Belvedere es una famosa estatua de mármol sobre el dios griego Apolo, que se conserva en los Museos Vaticanos. Está considerada una copia romana de un original griego que se perdió.
Redescubierta en el Renacimiento, fue expuesta en el Cortile del Belvedere del Vaticano a partir de 1511 y de ahí recibió su nombre.
Durante mucho tiempo fue considerada la representación ideal de la perfección física masculina y una de las más importantes esculturas de la Antigüedad clásica.
Fue reproducida en grabados de gran circulación y constituyó uno de los principales símbolos de la civilización occidental.
DIONISO (BACO) Y ARIADNA
Minos, hijo de Zeus y Europa, era el rey de Creta y se casó con Pasifae, hija del Sol (Helio). Entre sus hijas destacan Ariadna y Fedra.
Cuando Teseo llegó a Creta para combatir al Minotauro, la bellísima Ariadna se enamoró de él y por este motivo le ayudó a salir del Laberinto, la prisión del Minotauro.
Ariadna le entregó un ovillo a Teseo, cuyo hilo fue devanando y le sirvió para encontrar el camino de regreso y poder salir del Laberinto.
Ariadna, que había traicionado a su familia por amor, huyó con Teseo para escapar de la ira de Minos, pero no consiguió llegar a Atenas.
Pero en un descanso en la isla de Naxos, Teseo abandonó a Ariadna mientras dormía.
Por fortuna para Ariadna, pronto llegaron Dioniso y su cortejo a Naxos. El dios, montado en un carro tirado por panteras, quedó fascinado por la belleza de Ariadna y se casó con ella, conduciéndola al Olimpo.
El regalo de bodas de Dioniso a la hermosa Ariadna fue una diadema de oro realizada por Hefesto.
TALLER ROMANO. ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO
150 - 175. Mármol blanco, 99 x 238 cm.
En la pintura de Velázquez, que representa una vista del jardín de la Villa Médicis en Roma, se identifica en una logia la estatua de una figura yacente apenas esbozada por el artista.
Esa figura recostada en 1787 pasó a Florencia, primero al Palazzo Pitti, y posteriormente al Museo Arqueológico.
Se conocían otras dos réplicas de tamaño mayor que el natural, en Roma: una en el Vaticano y la otra en la Colección de la reina Cristina de Suecia. Ésta última fue enviada en 1724 a España e ingresó en 1830 en el Museo del Prado.
Por el brazalete en forma de serpiente, enroscado en el brazo izquierdo, la estatua fue identificada erróneamente con Cleopatra.
La figura femenina duerme al aire libre sobre un lecho liso de roca y viste una tela fina rica en pliegues, que es sostenida con un nudo sobre el hombro derecho. Además del brazalete, calza sandalias.
Su cabeza descansa con los ojos cerrados sobre el dorso de la mano izquierda; mientras el brazo derecho está flexionado y reposa sobre la cabeza, postura frecuente en la Antigüedad.
TALLER ROMANO. ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO
Su cabello, con raya en medio, cae libre sobre la espalda y está ceñida por una cinta, anudada en la parte posterior de la cabeza, lo que nos lleva a pensar también en una bacante.
La figura dormida puede indicar una ménade exhausta después de la danza orgiástica del culto a Dioniso o a Ariadna, abandonada por Teseo mientras dormía.
En el siglo XVII, la escultura fue restaurada en el taller de Bernini.
VELÁZQUEZ. JARDÍN DE LA VILLA MÉDICIS CON LA ESTATUA DE ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO
Hacia 1630. Óleo sobre lienzo, 44 x 38 cm.
Es una obra maestra del paisaje en la que Velázquez plasmó un paisaje al aire libre sin ningún pretexto narrativo. No existe un tema.
Esta vista romana y su compañera combinan la arquitectura, vegetación, escultura y personajes de manera natural.
La luz y el aire son los protagonistas de estos cuadros.
También parecen plasmar un momento concreto y unas circunstancias atmosféricas determinadas, lo que ha llevado a la teoría de que nos encontramos ante una representación de la "tarde" y el "mediodía", anticipando lo que haría Monet dos siglos más tarde con sus famosas series de la catedral de Rouen.
Velázquez utiliza una serliana, estructura arquitectónica que combina un arco de medio punto, flanqueado a ambos lados por vanos adintelados.
Son pinturas que representan de manera fidedigna rincones de la Villa Médicis, uno de los palacios más importantes de Roma.
En la obra hay una escultura en mármol de Ariadna dormida.
Dos son los factores que singularizan estas obras:
· La ausencia de tema.
· La plasmación directa de la naturaleza.
En el siglo XVII el paisaje se convirtió en un género pictórico de importancia, sin embargo, debía estar acompañado de una "historia" mitológica, sagrada, etc., o debía plasmar una vista urbana o monumental.
Velázquez, en cambio, transmite una visión directa de la naturaleza.
Claudio de Lorena salía al campo a tomar apuntes directos del paisaje en sus cuadernos y Velázquez también pintó del natural en Roma, por este motivo resultan tan singulares estas dos obras.
Velázquez refleja la experiencia de un momento en la naturaleza.
Es muy poco lo que se conoce sobre estas obras, actualmente se tiende a pensar que se trata de cuadros acabados en sí mismos.
Desde un punto de vista técnico, las obras están pintadas sobre una preparación marrón, similar a la que utilizó en su primer viaje a Italia, y que no volvió a usar desde su vuelta a Madrid en 1631.
Además, en su primer viaje a Italia Velázquez vivió durante dos meses en la Villa Médicis.
La hipótesis del segundo viaje se basa en lo avanzado de su estilo y en que en esa época la gruta de acceso a la serliana estaba en obras.
Son dos magníficas obras maestras de la historia del paisaje occidental, precursoras de la pintura del siglo XIX.
VELÁZQUEZ. JARDÍN DE LA VILLA MEDICIS CON LA ESTATUA DE
ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO
TIZIANO. LA BACANAL DE LOS ANDRIOS. MUSEO DEL PRADO
1523 - 1526. Óleo sobre lienzo, 175 x 193 cm.
Tras entregar Baco y Ariadna en 1523, Tiziano pintó La bacanal de los Andrios, también inspirada en el filósofo griego Filostrato.
La escena transcurre en la isla de Andros, tan favorecida por Baco que el vino manaba de un arroyo.
Dioses, hombres y niños se unen en la celebración del vino, cuyo consumo, según Filostrato, hacía a los hombres ricos, dominantes, dadivosos, guapos y altos.
Refuerza esa idea la partitura en primer plano: Quien bebe y no repite no sabe lo que es beber.
Tiziano alude a Las tres edades del hombre e incluye personajes no citados por Filostrato, pero apropiados a un contexto báquico, como la ninfa dormida en el ángulo inferior derecho o el niño haciendo pis.
El anciano, que yace al fondo, es una probable personificación del dios del río tal como lo describe Filostrato, el río, presa de gran agitación, yace sobre un lecho de racimos.
La ninfa del ángulo inferior derecho es uno de los desnudos femeninos más bellos y sensuales de la Historia del Arte y no es Ariadna, cuyo abandono tuvo lugar en Naxos y no en Andros.
El personaje masculino desnudo que escancia vino a la izquierda hace referencia a la estatuaria clásica.
El realismo de las figuras revela su estudio de modelos del natural.
El 14 de abril de 1522 el agente de Alfonso d`Este en Venecia le comunicaba que Tiziano no quería abandonar la ciudad y acudir a Ferrara por tener allí meretrices y hombres que le servían de modelos para los desnudos. Aunque las fechas coinciden con su Baco y Ariadna, es lógico pensar que mantendría dicha práctica.
Tiziano plasma el diferente efecto de beber vino en las personas:
· El anciano duerme
· El niño hace pi pí
· Las parejas bailan
· La mujer manifiesta abiertamente su sensualidad
TIZIANO. LA BACANAL DE LOS ANDRIOS. 1523 - 1526. MUSEO DEL PRADO
POUSSIN. BACANAL. MUSEO DEL PRADO
1625 - 1626. Óleo sobre lienzo, 122 x 169 cm.
El poeta romano Ovidio narra el encuentro entre Baco y Ariadna en la isla de Naxos, donde ésta había sido abandonada por Teseo tras haberle ayudado a salir del laberinto del Minotauro (Metamorfosis, VIII).
En la pintura el dios del vino ayuda a Ariadna a subir a su carro tirado por panteras.
Les acompaña su cortejo habitual, sátiros y ménades precedidos por Sileno sobre un asno, entre la vegetación y con el mar al fondo.
POUSSIN. BACANAL. 1625 - 1626. MUSEO DEL PRADO
Resalta la influencia de Tiziano, como en otras obras de Poussin y el interés por el detallismo y los elementos secundarios.
Este cuadro se cita en la colección del rey Felipe V en el Palacio de La Granja de San Ildefonso, lugar del que se trasladó en 1829 al Museo del Prado.
ANNIBALE CARRACCI. TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA. 1595-1605. PALACIO FARNESE, ROMA
El Palacio Farnesio es uno de los edificios del Renacimiento más bellos de Roma, ubicado en Piazza Farnese, 67.
Antonio Sangallo inició su construcción en el año 1514, después Miguel Ángel y, finalmente, Giacomo della Porta, fueron los encargados de su edificación.
El Palacio perteneció a una de las familias más importantes del Renacimiento y actualmente es la sede de la Embajada de Francia en Italia.
La escena se desarrolla en la parte central de la bóveda de la Galería del Palacio Farnesio, Roma. Ejecutada entre 1595 y 1605.
La obra maestra de Annibale Carracci es la decoración del gran salón del Palacio Farnesio de Roma.
Los frescos que adornan esta estrecha galería, sólo mide 27 metros, privilegian el arte de trampantojo y de la arquitectura.
La arquitectura se prolongaba en los frescos con recursos ilusionistas, parecían cuadros con sus marcos de estuco.
Baco está sentado en un carro dorado, mirando al espectador, con el tirso en su mano derecha y un racimo de uvas en su izquierda.
El carro debería ir tirado por panteras, pero aquí aparecen tigres, aludiendo a la difusión del culto del dios Baco por Asia.
Ariadna sentada en un carro tirado por cabras, animales unidos a Baco, está recibiendo la corona de oro realizada por Vulcano para su matrimonio con el dios.
La bóveda es un canto al amor terrenal y al amor divino.
ANNIBALE CARRACCI. TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA.
1595 y 1605. PALACIO FARNESE, ROMA
El cortejo va precedido de sátiros y de Sileno subido a un asno.
Las bacantes portan una pandereta y un cesto, en alusión a las fiestas dionisiacas o bacanales.
En la parte superior unos amorcillos portan un jarrón y un cuenco.
En la bóveda, el fresco central ilustra los amores de Baco y Ariadna, pero en las figuras mitológicas, los pintores representaron la glorificación de Ranuccio Farnesio y de Margarita Aldobrandini, sobrina del papa Clemente VIII.
Esta decoración fue encargada con motivo de su matrimonio, el 7 de mayo de 1599, cuando la joven esposa tenía sólo 11 años.
Por primera vez, la galería Carracci se ha beneficiado de una gran restauración de 18 meses, que ha finalizado en 2015.
El palacio Farnesio es la sede de la embajada de Francia en Italia y se trata del éxito de una colaboración franco-italiana.
La galería está considerada como la obra maestra de Aníbal Carracci, quien realizó lo esencial de la decoración.
La restauración ha recibido el mecenazgo exclusivo de la World Monuments Fund (WMF), organización internacional dedicada a la conservación de monumentos históricos.
Los estucos han reencontrado su esplendor original.
Se pueden realizar visitas guiadas a esta bella galería.
Es una gran oportunidad, según la embajadora de Francia en Italia, Catherine Colonna, de constatar “el compromiso renovado de Francia en transmitir este patrimonio común de la humanidad que hemos recibido en herencia”.
BIBLIOGRAFÍA
Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.
museodelprado.es
turismoroma.it
es.aleteia.org
William E, Wallace. Miguel Ángel. Obra completa. Electa.
maitearte.wordpress.com
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